# Abutres não ouvem Jazz – Ep18 – Discografia do Sonic Youth

O Sonic Youth eventualmente pousou em um som distinto e inovador que acabou tipificando a maior parte de sua música, mas eles não encontraram esse som imediatamente. Seu autointitulado debut de 1982 – lançado pela Neutral Records, que foi fundada por Glenn Branca (cujo conjunto incluía Thurston e Lee no início) – é o único álbum do Sonic Youth com afinação padrão, o único com Richard Edson na bateria, e o álbum Sonic Youth que está mais diretamente enraizado nos registros de NYC no wave e funk-punk que inspiraram Sonic Youth desde o início.

 

É diferente de tudo na discografia da banda, mas é essencial para entender de onde essa banda veio e como ela chegou até onde foi parar. É um grande álbum por si só e você pode ouvir as sementes sendo plantadas para o caminho que o Sonic Youth tomaria. É mais minimalista e mais inspirado no funk rítmico do que qualquer outra música que o Sonic Youth lançaria depois disso, mas certas marcas registradas do som da banda – riffs de guitarra atonais, jams zumbidos e os estilos de canto quase monótonos de Thurston , Kim e Lee – já estavam nos estágios de desenvolvimento dessas músicas. 

 

Apesar de ser o ponto de partida da banda, não é o melhor ponto de partida para novos ouvintes. Mas depois de ouvir suas obras-primas, há muito a ganhar mergulhando em sua estreia relativamente humilde. mas certas marcas registradas do som da banda – riffs de guitarra atonais, droning jams e os estilos de canto quase monótonos de Thurston, Kim e Lee – já estavam nos estágios de desenvolvimento dessas canções. Apesar de ser o ponto de partida da banda, não é o melhor ponto de partida para novos ouvintes. Mas depois de ouvir suas obras-primas, há muito a ganhar mergulhando em sua estreia relativamente humilde.

 

Confusion Is Sex e o EP Kill Yr Idols , dois lançamentos que encontraram Sonic Youth indo em uma direção mais sombria, mais alta, mais ruidosa e mais espaçosa do que sua estreia e pousando em uma direção primitiva versão do som que levaria aos seus álbuns mais clássicos.

 

Confusion Is Sex foi feito principalmente com o baterista Jim Sclavunos (anteriormente de Lydia Lunch e James Chance da banda Teenage Jesus & the Jerks, e de Nick Cave & the Bad Seeds de 1994 até os dias atuais), enquanto parte do álbum e The Kill Yr Idols O EP foi feito com o baterista Bob Bert (mais tarde de Chrome Cranks e Pussy Galore), que estava dentro e fora do Sonic Youth na época. As raízes do no wave que informaram a estreia também podem ser ouvidas neste álbum, mas Sonic Youth avisou que Confusion Is Sexé uma besta diferente logo de cara.

 

Abertura do álbum “(She In A) Bad Mood”, uma das canções mais intensas dos primeiros dias da banda, encontra Thurston quase gritando sobre gótico / ruído taciturno e confuso. Em outra parte do álbum, há um cover de “I Wanna Be Your Dog”, dos The Stooges, encharcado de barulho e perfurante; há a batida e gritada “Shaking Hell” liderada por Kim Gordon e o estilo punk de “The World Looks Red” cantada por Thurston, ambas as quais foram revisitadas como músicas ao vivo nos últimos anos da banda; há a adoração do Velvet Underground “Confusion Is Next”; e há a mistura de riffs discordantes e gritos de Kim Gordon que impulsionam Kill Yr Idolsdestaque “Irmão James”. Este é o álbum (e EP) onde o Sonic Youth se transforma em Sonic Youth, e não faltam canções clássicas. Mesmo assim, o melhor ainda estava por vir.

 

Confusion Is Sex / Kill Yr Idols encontrou o Sonic Youth moldando seu som agora marca registrada, mas ainda não conseguiu capturar totalmente o poder hipnótico de seu show ao vivo, que fazia uso de guitarras preparadas no estilo Glenn Branca e afinações excêntricas e que eram pesadamente improvisação, muitas vezes sem intervalos entre as músicas. Com Bad Moon Rising- feito com Bob Bert na bateria, co-produzido por Martin Bisi, e lançado pela Homestead Records que era dirigida pelo futuro co-proprietário do Matador, Gerard Cosloy – Sonic Youth finalmente tinha um álbum que reproduzia seus shows. Até hoje, continua sendo o álbum de estúdio mais semelhante a ver o Sonic Youth ao vivo. Cada uma das duas metades do álbum (lados A e B no lançamento do vinil) é apresentada sem nenhuma pausa entre as músicas e, às vezes, as transições entre as músicas são tão perfeitas que, não importa quantas vezes você ouça, nunca verá a próxima música chegando.

 

Quando você percebe que eles passaram para a próxima música, o efeito é psicodélico.

Bad Moon Rising realmente atrai você para dentro e para fora, mas não se trata apenas de criar uma vibe. Ele tem as músicas também. “I Love Her All the Time” compensa seus oito minutos de drone com uma melodia tangível que você realmente pode cantar junto, enquanto “Brave Men Run (In My Family)” acerta o equilíbrio entre experimentação extensa e composição concisa, bem como qualquer dos “sucessos” alternativos que a banda lançaria no final dos anos 80 e início dos anos 90.

 

A faixa bônus essencial “Flower” (originalmente lançada em um single de 12 “com” Satan Is Boring “) mostra Kim Gordon em sua forma mais gritante e cruel, e o resultado é um dos primeiros hinos punk feministas do Sonic Youth (” Apoie o poder das mulheres ,”). A melhor música de Bad Moon Rising , porém, é” Death Valley ’69 “, a fúria total que fecha o álbum e encontra Thurston compartilhando os vocais principais com Lydia Lunch (cuja banda atual, Retrovirus é com Bob Bert). A música junta um gancho gritado e de punho levantado com guitarras tão exploratórias quanto qualquer outra coisa neste álbum altamente experimental, e as letras na sua cara – sobre os assassinatos de Charles Manson – transmitem terror genuíno.

 

O Sonic Youth pode ter vivido na cena artística de Nova York, mas eles eram obcecados com a energia do hardcore, e após se separarem do baterista Bob Bert para sempre, eles encontraram um novo baterista que poderia trazer essa energia para o Sonic Youth: Steve Shelley, ex-integrante da banda de hardcore The Crucifucks, assinada por Alternative Tentacles.

 

Eles também buscaram um acordo com uma gravadora de hardcore, SST, que foi fundada por Greg Ginn do Black Flag e já havia lançado álbuns de Minutemen, Meat Puppets, Husker Du e outros até então. Imortalizado em Our Band Could Be Your Life, de Michael Azzerad, Ginn e seus parceiros do SST Chuck Dukowski e Mugger estavam interessados no Sonic Youth, mas Joe Carducci da gravadora não estava – “Colecionadores de discos não deveriam estar em bandas”, ele aparentemente disse. Como a história continua, Carducci acabou deixando a gravadora logo depois, e “a lenda diz que foi minutos depois que ele saiu” que Ginn ligou para Sonic Youth e ofereceu-lhes um acordo.

 

Sua estreia no SST e primeiro álbum com Steve Shelley foi Evol . E se Bad Moon Rising sugeriu a capacidade do Sonic Youth de fundir composições concisas com experimentação extensa, Evol solidificou isso.Evol encontrou Sonic Youth se unindo mais uma vez com Bad Moon Risingco-produtor Martin Bisi, só que desta vez eles fizeram um álbum com qualidade de produção notavelmente superior, e o som mais limpo ajudou o som do Sonic Youth a subir.

 

Ainda é barulhento e discordante, mas Sonic Youth descobriu como transformar esse ruído e discordância em estrutura, melodia e acessibilidade. Em “Shadow Of A Doubt”, Kim aperfeiçoa o canto sussurrado que ela traria para algumas das canções mais conhecidas da banda mais tarde. A música de abertura adjacente ao rock gótico “Tom Violence” e “Green Light”, pós-punk, mostram Thurston cantando de uma forma que soa bem, e “Starpower” faz o mesmo com Kim. Mas antes que você acuse o Sonic Youth de amolecer, “Starpower” evolui para o tipo de ruído estridente que se tornaria o cartão de visitas do Sonic Youth. Com Steve Shelley por trás do kit, eles encontraram o rebatedor de que precisavam para levar esses jams ao próximo nível. Por, Sonic Youth estaria fundindo hinos de rock alternativo e improvisação que atacava os tímpanos de uma forma que parecia quase sem esforço, e você pode rastrear essa abordagem até uma música como “Starpower”.

“Death To Our Friends” é o momento mais pesado do álbum e um verdadeiro testamento do poder recém-descoberto que Steve Shelley trouxe para a banda, enquanto músicas misteriosas como “In The Kingdom # 19” e “Secret Girls” provaram que o Sonic Youth não iria deixe seu material de composição mais estruturado atrapalhar a inclusão de algumas peças totalmente vanguardistas. O pico mais alto da Evol , porém, está fechando a faixa “Expressway to Yr. Skull”. Famosamente conhecida como a música favorita do Sonic Youth de Neil Young, “Expressway” pegou a fórmula de “Starpower” e a explodiu, transformando o que começou como uma canção de rock descomplicada em sete minutos de ruído violento e drone dissonante. É uma mini-obra-prima própria,

 

Por mais perfeito que seja o álbum duplo de 70 minutos Daydream Nation , às vezes você quer mais rápido e mais cru e, para isso, existe o Sister . É menor em escopo e um pouco mais fraco de som do que seu sucessor extremamente amado, mas à sua maneira, é tão bom quanto.

 

A química de Steve Shelley com os três membros originais é ainda maior neste álbum do que no Evol , e ele toca ainda mais rápido neste álbum. Mais do que qualquer outro, Sister (também lançado pela SST) é o álbum “punk” do Sonic Youth. “Catholic Block”, “Stereo Sanctity” e o cover do single “Hot Wire My Heart” da banda punk de San Francisco Crime, de 1976, estão entre as canções mais violentas do Sonic Youth já gravadas.canalize essa mesma energia inquieta. Está lá no sussurro de Kim Gordon, principalmente em “Beauty Lies in the Eye” sem bateria, tanto quanto nas canções em que Steve Shelley está tocando com toda sua força.

 

No Evol , você pode ouvir o Sonic Youth descobrindo maneiras de combinar barulho e canções, mas no Sister , essa combinação sai deles de uma forma que soa como uma segunda natureza. O abridor “Schizophrenia” é uma canção de rock indie puro até que de repente se torna uma jam dissonante.

 

Não constrói para isso; simplesmente acontece e parece incrivelmente natural. “Catholic Block” é toda intensidade incandescente até que tudo desaparece, exceto o ruído de estática, e então, antes que você perceba, é uma música de novo. “Tuff Gnarl” e “Pacific Coast Highway” realizam feitos semelhantes. Sister é a quintessência do ruído de rocha, onde “ruído” e “rocha” estão presentes em igual medida. É o som de uma banda já de cair o queixo batendo o pé como nunca antes.

 

Sister também dá outros passos para o Sonic Youth. Lee Ranaldo – o George Harrison do grupo – cantou a voz principal em “In the Kingdom # 19” de Evol e dividiu os vocais com Kim em “I Dreamed I Dream” no debut, mas com Sister”Pipeline / Kill Time”, ele oficialmente prova ser um vocalista que rivaliza com Thurston e Kim, e traz um novo lado para o som do Sonic Youth.

 

A experiência de Lee no rock psicodélico informa sua atitude zombeteira e hipnótica, e “Pipeline / Kill Time” é a primeira de muitas viradas vocais que Lee traria para a banda. E depois há “Kotton Krown”, um raro exemplo de Thurston e Kim se harmonizando por uma música inteira. Ele encontra o Sonic Youth quase no território do pop dos sonhos, e é tão natural para eles que é uma pena que não o façam com mais frequência.

 

O Sister achou o Sonic Youth no auge de seus poderes, então eles fizeram o que muitas bandas de rock no auge de seus poderes fazem: fizeram um álbum duplo. Eles deixaram a SST depois do Sister e assinaram com a Enigma, uma grande gravadora afiliada, e presumivelmente isso significou um orçamento maior, o que se refletiu no Daydream Nation sendo o álbum mais hi-fi da banda até hoje. Daydream Nation merece o status de “magnum opus” porque realmente reuniu tudo o que Sonic Youth tinha feito até aquele ponto e mais.

 

Outros grandes álbuns do Sonic Youth surgiram ao longo dos anos, mas nenhum se aproximou do volume de Daydream Nation . Este álbum fez tudo. Tinha a intensidade do punk rock de Sister (“Silver Rocket”), ciclos de canções improvisadas de Bad Moon Rising (“Trilogy”), psicodelia de Lee Ranaldo (“Eric’s Trip),” Expressway To Yr. Jams no estilo Skull “(muitas músicas) e muito mais. Na maioria das vezes, as músicas individuais mostravam dois ou três ou mais lados do Sonic Youth de uma vez.” Hey Joni “(uma referência a” Hey Joe “e Joni Mitchell) tinha aquele escárnio de rock psicológico de Lee Ranaldo, mas também era alto, na sua cara e punk.

 

“‘Cross the Breeze” encontrou Sonic Youth em sua forma mais indutora de whiplash e inspiração de hardcore, mas também minima obra-prima que mergulha em jam, post-rock e muito mais. “Teen Age Riot” previu liricamente e sonoramente o boom do rock alternativo dos anos 90, mas

O Sonic Youth levou tudo ao extremo no Daydream Nation.

 

As partes pop estavam mais pop do que nunca, as partes bonitas mais bonitas, as partes rápidas mais rápidas, as partes barulhentas mais ruidosas. E nunca cai na armadilha do álbum duplo de sentir-se inchado ou cheio (até mesmo a faixa de música concreta “Providence” ganha seu lugar sem se sentir auto-indulgente). Todas as músicas do Daydream National cança a perfeição à sua maneira. É um álbum onde, se você continuar ouvindo, cada música provavelmente será sua favorita em um momento ou outro.

 

Há os “grandes” como “Teen Age Riot” e “Silver Rocket” e “Candle” e “Eric’s Trip” que não têm problemas para ganhar o status de clássicos do rock underground, mas há cortes mais profundos como “Kissability” que combina alguns dos ganchos vocais mais viciantes de Kim até a bateria mais furiosa de Steve e as guitarras mais clamorosas de Thurston e Lee, ou “The Wonder” da “Trilogy” de três partes do álbum, onde Thurston enterra algumas de suas composições mais cativantes sob a energia mais frenética da banda.

 

Daydream Nation surgiu durante o que foi um ano marcante para influentes álbuns de indie e rock alternativo (Pixies ‘ Surfer Rosa , Dinosaur Jr’s Bug , My Bloody Valentine’s Isn’t Anything , Talk Talk’s Spirit of Eden , para citar outros quatro), então não foi’ t sozinho na criação de uma mudança radical dentro do gênero, mas liderou o ataque. Sem ele, futuros clássicos como Nevermind e OK Computer podem não existir como os conhecemos.

 

Foi uma fusão completa da agressividade do punk, a inteligência da cena vanguardista e a composição revolucionária do então florescente movimento do rock alternativo. Nação Daydream alterou para sempre o curso da música no mainstream e no underground, e ainda é apenas a ponta do iceberg do que o Sonic Youth conquistou ao longo de sua carreira consistentemente recompensadora.

 

Daydream Nation é a obra-prima da banda, mas não é necessariamente o melhor ponto de partida para os novos fãs do Sonic Youth. Você pode querer se aquecer para a banda com Sister ou Evol primeiro – como os fãs do Sonic Youth faziam em tempo real nos anos 1980 – ou você pode querer ouvir o álbum que apresentou muito do mundo mainstream ao Sonic Youth, Goo.

 

Após o sucesso do Daydream Nation , o Sonic Youth fechou um contrato com uma grande gravadora, a Geffen Records, e a estreia da banda em uma grande gravadora foi Goo . Aparentemente, custou cinco vezes mais dinheiro do que o Daydream Nationfizeram, e eles acabaram terminando o álbum com o veterano produtor Ron Saint Germain (Bad Brains, Kraftwerk, etc), então não é nenhuma surpresa que Goo seja muito mais polido e acessível do que Daydream Nation , mas considerando tudo, Goo ainda é barulhento , abrasivo, registro experimental. Ele meio que engarrafa os ingredientes do Daydream Nation e os cospe de volta de uma forma mais compacta e de fácil digestão, mas mesmo assim são os mesmos ingredientes.

 

A faixa de abertura, “Dirty Boots” cantada por Thurston Moore, é incrível, tão boa quanto qualquer coisa que a banda lançou no final dos anos 80. Ele se encaixa um pouco mais com o movimento grunge que logo explodiu – que o próprio Sonic Youth influenciou – do que com o lado vanguardista da banda, mas ainda encontra tempo para os padrões intrincados de guitarra e acúmulos de ruído explosivos que o banda eram conhecidos na década anterior.

 

“Dirty Boots” é uma espécie de hino de “Teen Age Riot”, mas o grande single crossover de Goo foi “Kool Thing”, uma das melhores canções de Kim Gordon até hoje. Em um cenário que quase se qualifica como dançante, Kim faz referências sarcásticas de uma entrevista que ela conduziu com LL Cool J para a SPINem 1989, e lança um dos melhores hinos feministas do rock alternativo dos anos 90 no processo.

 

“Eu só quero saber, o que você vai fazer por mim?” ela zombeteiramente pergunta na ponte de palavra falada (com Chuck D do Public Enemy, que dividiu o produtor / engenheiro Nick Sansano com Sonic Youth, fazendo o papel de LL). “Quero dizer, você vai nos libertar, meninas / Da opressão masculina, branca e corporativa?”

 

“Kool Thing” foi uma das duas melhores canções da carreira com que Kim contribuiu para Goo , a outra foi “Tunic (Song for Karen)”. A entrega de Kim é quase no território da palavra falada, mas a música consegue ser incrivelmente melódica, e as letras de Kim – inspiradas por Karen Carpenter morrendo de anorexia e cheias de referências da cultura pop – são algumas das mais memoráveis de sua carreira.

 

“Kool Thing e” Tunic (Song for Karen) “são os maiores destaques de Kim no álbum, mas ela também oferece a divertida pepita” My Friend Goo “e o hino do punk barulhento” Cinderella’s Big Score “, um dos cortes profundos do álbum.

Em outra parte do álbum, Lee dá sua contribuição vocal principal em “Mote” de sete minutos e meio, que o mostra evoluindo a partir da entrega sarcástica de suas canções Sister e Daydream Nation e desenvolvendo um estilo de canto mais doce e melódico isso continua a ser adequado para ele até hoje. Thurston oferece o punky “Mary-Christ”, que não pareceria deslocado em Sister , o mais obscuro e psicodélico “Disappearer”, que não teria se sentido deslocado em Daydream Nation , e a barulheira gritada no final de “Mildred Pierce”.

 

Em retrospectiva, Goo foi um álbum decisivo para o Sonic Youth. Porque veio no início de uma nova década e marcou o início de sua era das grandes gravadoras, parece o início de um novo capítulo. Mas se você pegar as músicas como elas são e ignorar todas as outras coisas, soa mais como o final do capítulo que o Sonic Youth começou a escrever com Confusion Is Sex . Goo é o som do Sonic Youth dos anos 80 em sua forma mais aerodinâmica e rivaliza com os álbuns inovadores que o Sonic Youth lançou naquela década. É para onde o Sonic Youth iria a partir daqui que começaria a marcar uma nova era para a banda.

 

O material clássico dos anos 80 do Sonic Youth ajudou a influenciar o movimento do rock alternativo e Goo ajudou a empurrar esse movimento para o mainstream, mas não foi até o sucesso de Nevermind do Nirvana em 1991 – o ano sarcasticamente referido como “o ano em que o punk estourou” no documentário sobre a turnê do Sonic Youth pela Europa que o Nirvana abriu – que o movimento explodiu. E assim que o fez, o Sonic Youth estava lá com Dirty , o álbum mais amigável do “grunge” que o Sonic Youth já havia lançado.

 

Foi produzido por Butch Vig e mixado por Andy Wallace, os quais trabalharam em Nevermind , e Butch disse, “Eu queria que soasse como Sonic Youth, mas queria torná-lo um pouco mais focado … Eu estava tentando fazer algumas das músicas um pouco mais concisas, mas não queria tentar fazê-las escrever canções pop de três minutos. “

 

 

Esse compromisso é ouvido em todo Dirty. Não é um álbum esgotado – ainda é estranho, barulhento e abrasivo, especialmente para os padrões das grandes gravadoras – mas as canções são de fato mais concisas. Os barulhos são atenuados e os ganchos são mais amigáveis ao rádio do que antes na carreira de Sonic Youth, especialmente nos singles “Drunken Butterfly”, “Sugar Kane” e “100%”, este último é o o mais próximo que o Sonic Youth chegou ao grunge.

 

Talvez tenha sido uma jogada inteligente para conquistar a nova base de fãs enorme de um gênero que eles próprios ajudaram a criar, mas esse tipo de cinismo é uma injustiça em como essas músicas são fantásticas por si mesmas. Todas as três estão entre as melhores canções da carreira do Sonic Youth;

 

Alguns dos não singles de Dirty também tinham potencial para o rádio – o indie rock descontraído de “Chapel Hill” e o acelerado Stoogey “Purr” (ambos cantados por Thurston) são tão acessíveis quanto as canções maiores do álbum – mas Dirty também tinha mais coisas do que rádio.

 

Canções como “Theresa’s Sound-World” e “Orange Rolls, Angel’s Spit” traziam mais explosões de improvisação do que a narrativa “amigável ao rádio” faria você acreditar, e Dirty estava mais sintonizado com as raízes punk do Sonic Youth do que com o banda tinha sido desde irmã. “Swimsuit Issue” e “Youth Against Fascism” (que apresenta Ian MacKaye na guitarra, e que também foi lançada como single) estão entre as canções punk políticas mais poderosas do Sonic Youth, e é quase um pouco assustador (e triste) o quanto elas ainda ressoam hoje. “Swimsuit Issue” soa como um hino #MeToo e “Youth Against Fascism” – com seus gritos de “o presidente é uma merda” (eles se referiam a George Bush pai) e “Eu acredito em Anita Hill” e referências aos dias modernos KKK e nazistas – critica todo o sistema que estamos levando às ruas para protestar quase 30 anos depois.

 

O Sonic Youth também mostrou a cena hardcore que eles amavam não apenas convidando Ian MacKaye para tocar no disco, mas também fazendo um cover fiel do irmão de Ian, Alec ‘compilação. Se você escolheu Dirty porque ouviu “100%” no rádio, acabaria se deliciando com o punk rock de verdade, e essa é apenas uma das muitas razões pelas quais Dirty continua é tão foda.

 

Dirty posicionou Sonic Youth como adjacente ao movimento grunge que eles ajudaram a inspirar, mas eles não queriam ficar lá. O grunge era ainda maior em 94 do que em 92 e, como diz o próprio site do Sonic Youth , a banda ficou mais interessada em fazer turnês com bandas de indie rock mais moderadas, como Royal Trux, Sebadoh e Pavement (cujo baixista Mark Ibold também se juntou ao projeto paralelo de Kim, Free Kitten, por volta dessa época, e eventualmente se juntou ao Sonic Youth em 2006 – mais sobre isso depois), e isso se refletiu no som de Experimental Jet Set, Trash e No Star .

 

Houve alguns elementos de “retorno às raízes” do Jet Set ,Sister no fundo de Jet Set, se você ouvir de perto) e que eles cantaram sobre SST em “Screaming Skull”, mas Jet Set não parece uma repetição da era dos anos 80 do SY, mas parece algo que eles não tinham. t feito antes. É lo-fi como seus primeiros álbuns eram, mas Sonic Youth nunca soou tão calmo . Mesmo “Bull In The Heather”, que foi um dos maiores sucessos da banda (e teve um vídeo estrelado por Kathleen Hanna de Bikini Kill), é atmosférico e meditativo e muito longe dos singles de rock alternativo de Dirty e até mesmo Goo .

 

E Dirty pode ter sido o álbum onde Sonic Youth e Butch Vig (que também produziu Jet Set) fez um esforço consciente para diminuir os surtos de ruído, mas Jet Set está quase totalmente vazio deles. Pode parecer um álbum mais simples, mas é revolucionário à sua maneira. Quando você espera volume e abrasividade, este disco lo-fi pequeno, silencioso e vibrante se torna mais chocante e desafiador do que Goo Parte 2 teria sido.

 

Jet Set estabeleceu ainda mais o Sonic Youth como bandeira para a cena do rock indie , o que valeria a pena quando o indie provasse ter maior integridade artística e mais longevidade do que a cena do rock alternativo , que se transformou em Puddle of Mudd. Mas, novamente, sabedoria à parte, Jet Set é simplesmente um ótimo álbum, e não é realmente como nada na discografia do Sonic Youth.

 

O Sonic Youth nunca fez um álbum como Experimental Jet Set, Trash And No Star novamente, mas esse álbum ajudou a abrir as portas para o Sonic Youth se mudar da adjacência do grunge para um território mais tranquilo e atmosférico, e esse movimento influenciou muito o próximo álbum da banda , Washing Machine.

 

Washing Machine também foi informado por Thurston e Kim tirando suas músicas mais tradicionalmente estruturadas de seus sistemas no início do mesmo ano (com o álbum solo de estreia de Thurston Psychic Hearts e o primeiro álbum completo da banda de Kim Free Kitten, Nice Ass ), porque Washing Machine foi o álbum mais experimental que o Sonic Youth lançou desde os anos 80 … talvez até o mais experimental desde Bad Moon Rising .

 

É um álbum geral mais lento do que qualquer álbum do Sonic Youth que veio antes dele, e os freakouts de barulho voltaram em grande forma. Washing Machine é atmosférico como Jet Set , mas não é calmo como aquele álbum.

 

Ele trabalha a dissonância, a discordância e a energia de improvisação do material dos anos 80 da banda na direção do rock anti-alternativo de Jet Set , e essa combinação resultou em um dos álbuns mais duradouros do Sonic Youth. De certa forma, Washing Machine compartilhava um pouco de DNA com o gênero pós-rock que estava ganhando força na mesma época (um movimento que Sonic Youth quase definitivamente influenciou).

 

Como pós-rock, máquina de lavaré mais sobre movimentos e acúmulos graduais do que estrutura de verso-refrão. É também, especialmente em uma música como “Little Trouble Girl”, muito psicodélico. Dito isso, o Sonic Youth incluiu muitos momentos “pop” neste álbum também. Apesar de toda a sua experimentação, ele tem muitos ganchos bons.

 

Aos 68 minutos, é quase tão longo quanto o Daydream Nation e ganha seu tempo de execução com músicas que lentamente cavam seu caminho para o seu cérebro e permanecem lá. Isso nunca é mais claro do que na faixa final “The Diamond Sea”. São 19 minutos e meio – muitos dos quais são feitos de feedback e ruído branco – e cada segundo conta. Apenas envolve você.

 

A Thousand Leaves surgiu três anos depois de Washing Machine – a maior lacuna entre os álbuns da banda naquele momento – mas ainda assim, parece o outro lado da moeda daquele álbum. Ou pelo menos parece uma progressão natural. Ainda mais do que máquina de lavar , mil folhas encontrou o Sonic Youth mergulhando em longas peças experimentais e atmosféricas e lançando algumas das músicas mais psicodélicas e pós-rock que já haviam lançado.

 

Eles abriram seu próprio estúdio (Echo Canyon) antes de fazer este, e não ter que pagar pelo tempo de estúdio permitiu à banda realmente esticar suas músicas e gravar peças que eram mais improvisadas do que nunca, e eles também fizeram esse álbum em em conjunto com os primeiros lançamentos de seu projeto SYR altamente experimental, então talvez algumas das ideias desse projeto tenham se infiltrado neste álbum também.

 

Comparado à Washing Machine  , A Thousand Leaves foi um pouco mais leve no barulho discordante, mas foi muito mais profundo na psicodelia. Isso aparece mais nos 11 minutos “Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)”, que imagina como poderia ter soado se o Sonic Youth estivesse realmente fazendo música em 1967, mas isso está longe de ser a única música no A Thousand Leaves que liga, sintoniza e desliga.

 

A maior parte do álbum possui um lado trippy mais do que qualquer álbum do Sonic Youth antes ou depois. Quando você quer o Sonic Youth psicodélico, você quer A Thousand Leaves . Ainda assim, como fizeram em Washing Machine , Sonic Youth trouxe inteligência pop para A Thousand Leavestambém.

 

Seu single “Sunday” (que na verdade datava da trilha sonora de SubUrbia de Richard Linklater , onde apareceu em uma forma ligeiramente diferente ) é uma das canções mais cativantes do Sonic Youth dos anos 90, “French Tickler” meio que retorna ao seu era amigável ao grunge, e eles trabalham melodias acessíveis nas canções mais “desafiadoras” também.

 

No geral, A Thousand Leaves soa muito diferente do que Sonic Youth fazia na era clássica dos anos 80, mas a abordagem é semelhante àquela que eles aperfeiçoaram em Bad Moon Rising : pegar música aparentemente indigesta e não apenas torná-la digerível, mas irresistível.

 

Agora chegamos ao álbum que obteve notoriamente um 0.0 no Pitchfork após seu lançamento (tornando Sonic Youth o único artista a obter ambos 0 e 10 no Pitchfork). E tipo, ok, talvez seja um pouco autoindulgente, mas você teria pensado pela partitura que foi um desastre total e realmente não foi.

 

Conforme a história continua , uma grande quantidade de equipamentos do Sonic Youth foi roubada pouco antes de escrever o álbum, e o pavor que eles devem ter sentido disso parece ter informado o tom deste álbum, que é o mais minimalista e experimental de todos os seus próprios álbuns de estúdio.

 

É o primeiro álbum desde Bad Moon Rising para usar guitarra preparada, é claramente inspirado na poesia beat e free-jazz, e é também o primeiro álbum da banda com o multi-instrumentista / co-produtor Jim O’Rourke, que permaneceria no Sonic Youth até 2005.

 

Não é tão audível ou acessível como Washing Machine ou A Thousand Leaves , mas dada a abordagem cada vez mais experimental que esses álbuns adotaram, também não surgiu inteiramente do nada. E realmente, ainda soa como um álbum do Sonic Youth. Ele ainda tem seus momentos totalmente intensos que arranham a coceira que nenhuma outra banda pode arranhar.

 

Depois que o NYC Ghosts & Flowers levou o Sonic Youth ao seu extremo mais experimental, a banda deu uma guinada e se tornou uma banda mais limpa e focada do que há algum tempo ou talvez nunca. Murray St. (batizado com o nome da rua onde o estúdio Echo Canyon estava localizado) foi saudado como um “retorno à forma” por muitos após seu lançamento e, como os álbuns mais clássicos do Sonic Youth, oferece uma fusão completa de composições estruturadas e acessíveis e crescendos barulhentos, mas não era realmente um retorno a nada.

 

Murray St. tem elementos familiares, mas parecia totalmente novo para Sonic Youth. Foi o álbum que soou mais limpo até agora, mas não de uma forma que flertasse com o mainstream. Tem dicas da direção mais calma do indie rock em que a banda seguiuExperimental Jet Set, Trash e No Star , mas não é lo-fi e fat-aparado como aquele álbum – é cheio de canções longas que atingem as marcas de nove e 11 minutos. É como se a expansão do Daydream Nation , a acessibilidade do Goo e o estilo indie do Jet Settodos mesclados, mas mesmo essa descrição não faz justiça ao quão um passo adiante este álbum foi para o Sonic Youth.

 

Isso os posicionou como estadistas mais velhos e sábios dentro da cena de indie rock de Nova York que estava começando a explodir em nível internacional (em uma época em que bandas em ascensão como Yeah Yeah Yeahs citavam bandas como Sonic Youth e Swans como grandes influências), e soava como fresco e relevante como essas bandas mais jovens, mas também só poderia ter sido o trabalho do Sonic Youth. Foi informado por tudo que eles fizeram antes, e parecia nada que eles tinham feito ainda.

 

Murray St. começa com duas das melhores canções cantadas por Thurston dos últimos dias do Sonic Youth, “The Empty Page” e “Disconnection Notice”, ambas as quais realmente mostram o amadurecimento que este álbum representou e estão entre as músicas mais ouvidas do Sonic Youth . Mas conforme Murray St. continua, começa a mostrar gradualmente seu lado mais bizarro, com três das melhores músicas imersivas, barulhentas e jam da banda (“Rain On Tin”, “Karen Revisited”, “Sympathy for the Strawberry”) .

 

Mesmo com três deles em um álbum, Murray St. parece compacto. Foi talvez o álbum mais conciso e sem preenchimento que a banda lançou desde Goo , deu o tom para o que acabaria sendo o resto da carreira do Sonic Youth,

 

Depois que Murray St. pavimentou o caminho para a nova era do Sonic Youth, o Sonic Nurse entrou em ação. Logo de cara, você obtém o “Pattern Recognition”, que – em contraste com a Murray St. mais calma em geral – é um verdadeiro incendiário. É também o melhor estripador de rock cantado por Kim Gordon desde … Dirty ? E é o primeiro de muitos destaques do final da carreira com os quais Kim contribuiria. Ela ficou um pouco atrás do banco de trás em Murray St. , mas nos três álbuns finais da banda, um bom punhado das canções mais imediatas foram cantadas por Kim.

 

“Pattern Recognition” é a música mais imediata do Sonic Nurse , mas o álbum tem muitos outros pontos altos, e sua energia cinética continua por toda parte. Cantado por Kim Gordon “Kim Gordon e o Arthur Doyle Hand Cream” é o rager mais agressivo do álbum, e canções como “Dripping Dream”, “Stones” e “New Hampshire” encontram o Sonic Youth em um território aparentemente frio com uma espinha dorsal motriz.

 

Os álbuns da banda de meados ao final dos anos 90 e partes de Murray St. vazaram e fluíram como uma maré baixa, mas Sonic Nurse é como um rio correndo. E em comparação com o trabalho de guitarra mais atmosférico em Murray St. , Sonic Nurse é em grande parte feito de riffs sinuosos e entrelaçados que levaram os exercícios de guitarra do estilo “Teen Age Riot” e o amor cada vez mais explícito da banda pelo rock psicodélico e os destilaram em algo aerodinâmico e poderoso.

 

Eles ainda fizeram muito barulho em Sonic Nurse , mas sua habilidade de remodelar o heroísmo da guitarra clássica em seu próprio molde estranho é uma grande parte do apelo deste álbum, e isso continuaria nos próximos dois álbuns também.

 

Na verdade, continuaria apenas alguns segundos depois de Rather Ripped na abertura “Reena”. O golpe duplo de “Reena” e “Incinerate” torna este álbum ainda mais arrancado do que Sonic Nurse , e embora eles relaxem para o hipnótico, atmosférico “Do You Believe In Rapture?”, Rather Ripped no final das contas retoma com uma série de ótimas canções animadas e estimulantes. Ainda mais do que a enfermeira do Sonic, este é um verdadeiro disco de “rock”.

 

Menos barulho, mais riffs e ganchos, mas ainda mais desafiadoramente anti-mainstream para a época do que Dirty era em 1992. É também o primeiro álbum da banda com o produtor John Agnello, um engenheiro / mixador de longa data dos velhos amigos do Sonic Youth, Dinosaur Jr e Agnello iria produzir o próximo (e final) álbum do Sonic Youth e algumas das coisas solo de Thurston e Lee também. Ele provou ser uma grande combinação para o material do final da carreira da banda, e tudo começou com Rather Ripped .

 

Quando você alcançou tanto quanto o Sonic Youth tinha em 2006, você ganhou o direito de escrever um álbum como Rather Ripped – que é um de seus álbuns mais acessíveis em geral e um pouco mais fácil para os ouvidos do que seus clássicos – mas Rather Ripped não soa como se o Sonic Youth atendesse a ninguém.

 

Na verdade, é apenas mais uma prova de como essa banda é versátil. Eles fizeram os épicos do rock da arte, as excursões de vanguarda, os ragers do punk. Em Rather Ripped , eles ofereceram mais uma prova de como são bons em escrever canções pop concisas sem sacrificar sua singularidade.

 

É muito apropriado que o último álbum de uma banda que se separou por quase uma década, mas nunca morrerá, se chame The Eternal . Eles não sabiam que seria seu último álbum – Thurston e Kim terminaram seu casamento de 27 anos em 2011 e isso por sua vez encerrou a banda, e havia até conversas sobre novas músicas antes da separação da banda ser gravada em pedra – e é revigorante que Sonic Youth terminou organicamente, não com uma grande despedida orquestrada.

 

E The Eternal não soava como uma banda que perdeu força; parecia fresco e energizado. Foi o primeiro álbum por uma gravadora independente desde os anos 80 (Matador Records, que os reuniu com Gerard Cosloy, que lançou Bad Moon Risingna Homestead Records em 1985) e também o primeiro com Mark Ibold do Pavement no baixo, o que permitiu que Kim mudasse para a terceira guitarra. Como os dois últimos álbuns, este começa com uma música do alto da carreira de Kim Gordon, e aquela música – “Sacred Trickster”, que abriga a linha sarcasticamente zombada “Como é ser uma garota em uma banda? Eu não entendo muito bem! ” que deu o título ao livro de memórias de Kim – foi a canção punk mais direta do Sonic Youth desde o início dos anos 90. Este álbum começou onde a composição de “rock” acessível de Rather Ripped parou e injetou uma onda de raiva que relembrou os momentos mais pesados da Sister através da era Dirty.

 

A mistura do heroísmo da guitarra do final da carreira com a energia punk do início da carreira é emocionante, e resultou em ragers atemporais como “Anti-Orgasm” e “What We Know” que rivalizam com muitos dos clássicos mais adorados da banda.

 

The Eternal também encontrou espaço para o satisfatório revival dos anos 80 de “Malibu Gas Station”, alguma adoração psicodélica de Lee Ranaldo dos anos 60 em “Walkin Blue” e um último acúmulo hipnótico e imersivo: o álbum de quase dez minutos mais perto ” massage the history. ” The Eternal arranha muitas coceiras, e agora que já tem mais de uma década, muitas dessas músicas estão começando a parecer tão clássicas quanto o material dos anos 80 e 90 da banda parecia por um tempo.

 

Com a retrospectiva que temos agora, fica ainda mais claro o quão sólida a carreira do Sonic Youth sempre foi. De seus primitivos, mas promissores, a um último álbum revigorante e energético, eles continuaram progredindo e encontrando novas maneiras de brincar com sua música, sempre soando agressivamente original.

 

Realmente não existem muitas bandas de rock que soam tão únicas e inspiradas por tanto tempo, e é francamente incrível como tudo o que eles fizeram vai bem junto. No que acabou sendo seu último show em sua cidade natal (que agora é um álbum ao vivo no Bandcamp ), eles lançaram músicas de Bad Moon Rising pela primeira vez em décadas e as tocaram ao lado de canções do The Eternal, e todo o conjunto soou tão coeso quanto poderia ser. Foi um último lembrete de que o Sonic Youth não era apenas uma banda; eles eram um universo.